Andrew Bird

Di solito si pensa che l’acustica in spazi chiusi rimbalzi sulle cose, ma se vi trovate al Zion National Park, o in un luogo di rocce arenarie, si crea uno spazio acustico con diverse trame di piante (da qui la metafora botanica). (Andrew Bird).

Il sommo Nijinsky in Petrouchka

Ho conosciuto la musica di Stravinsky con Petrouchka: un’opera che mi ha folgorato. L’ho amata per l’amalgama timbrico, per i temi richiamati, per i ritmi generati. Anche la partitura è godibilissima per chi legge la musica. E’ un flusso, Petrouchka, contro il quale non ci si può opporre. E’ più magica della Sagra della Primavera, per me: pur essendo stata, quest’ultima, uno squarcio contro l’accademismo.
E leggendo Stravinsky e su Stravinsky mi ha sempre lasciato perplesso questa sua frase:
Per sua natura la musica non può spiegare niente: né delle emozioni, né dei punti di vista, né dei sentimenti, né dei fenomeni della natura. Essa non spiega che se stessa.

Una affermazione forte per chi ha immaginato e scritto di una danza sacra, tribale. Ma forse l’affermazione vuole sottolineare quanto sia importante l’atto compositivo. Un processo a cui il compositore si dedicava con metodologia e rigore quasi militare.  E lo si desume da Petrouchka, leggendone la partitura. L’eleganza, la forma, la matematica espressa, le geometrie disegnate dai suoni parlano di Stravinsky, della sua personalità.

Ascolto questa registrazione del 7 novembre 1937, direttore Leopold Stokowski. Registrazione estratta dal immane sito archive.org. E fingo di ascoltare per la prima volta Petrouchka: devo o non devo visualizzare qualcosa?  Non devo emozionarmi, d’accordo. Non devo avere un punto di vista. Ma Stravinsky conosceva la storia di Petrouchka e un quadro l’ha sicuramente legato alla storia, ad ogni passaggio del balletto. Quindi farò come lui, immaginerò questa marionetta, e la scena iniziale: una fiera. Prima ascolto l’audio: per almeno un minuto. Poi il video su Youtube, per assecondare la musica alle immagini.

7 novembre 1937, Petrouchka, direttore Leopold Stokowski:

Il video di Youtube:

• Youtube: 2a parte Petrouchka
• Youtube: 3a parte Petrouchka
• Youtube: 4a parte Petrouchka

Un evento così, devo ammetterlo, avrei voluto si facesse anche nella nostra Italia da conservatorio. E’ il Video Games Live: un’orchestra in carne e ossa che suona le colonne sonore dei videogames più apprezzati.

Un modo davvero originale per avvicinare i più piccoli (ma non solo) alla musica orchestrale (non voglio dire “classica”).

Il post è datato, ma trattandosi di musica, la data di scadenza non è importante (beh, dipende dalla musica .

1. La prima parte del post;
2. La seconda;
3. La terza.

Michael Tilson Thomas

Vi segnalo il miglior sito in assoluto di educazione musicale. Un progetto che giustifica l’eiaculazione precoce. Si chiama Keeping Score e nasce da un’idea del direttore d’orchestra Micheal Tilson Thomas della San Francisco Symphony.

Keeping Score è una serie televisiva di successo il cui sito internet non è semplice corollario con le solite quattro chiacchiere riempitive. Tutt’altro. Nella sezione Interactive, ad esempio, si possono apprezzare analisi approfondite sui alcune opere di compositori. Diversi percorsi: per compositore, per opera, per epoche storiche, per partiture musicali. Quest’ultima è la mia preferita, perchè la lettura della partitura è impreziosita da commenti in tempo reale (provare per credere) e da video interessanti. Insomma c’è da perdere la testa e ore, questa volta.

Keeping Score è la motivazione finale per decidersi ad imparare l’inglese.

La copertina dei Nojo

La costituzione delle cover band dovrebbe essere vietata dalla legge. Lo strenuo tentativo di clonare l’arrangiamento, i timbri, l’abbigliamento, la voce del cantante ( o gruppo) idolatrato ha un sapore non solo naïf, ma è a tratti inquietante.

Negare la propria individualità di musicista, anni di studio per aver imparato quanto la musica sia varia e quanto un brano assuma connotazioni diverse se suonato da differenti musicisti, negare tutto questo è come appendere i guantoni al chiodo.

E non è una scelta obbligata, legata ad esigenze economiche, di mercato. Nella creazione di una cover band c’è un morboso desiderio di assomigliare al divo come prima istanza. La cover band non è osteggiata dall’originale, perché è comunque una forma di pubblicità: rappresenta  un introito per i diritti d’autore.  Dalle mie parti imperversano i festival delle cover band e devo ammettere che sono seguitissimi, ma il successo non dovrebbe essere il termometro della qualità musicale, almeno non lo è per me.

Tuttavia un paradosso c’è: da una parte la clonazione di arrangiamenti, dall’altra un desiderio di “svecchiare” i brani ad opera degli autori stessi. Cito a caso Baglioni, i cui brani sono stati tutti riarrangiati; Sting, che con il suo ultimo Symphonicities, si cimenta nella nuova interpretazione dei suoi brani più conosciuti; Il già citato Peter Gabriel (Scratch my back) che ha egregiamente snaturato evergreen della musica pop.

Io sono per la continua, illimitata rielaborazione del brano musicale. Come ad esempio i Nojo che hanno riscritto “The Dark Side of the Moon” dei Pink Floyd. Il risultato, a tratti goffo ( per la qualità dell’arrangiamento, non per l’idea di riscrittura), è da premiare perché desta curiosità nell’ascoltatore. La curiosità musicale è una qualità che l’ascoltatore non dovrebbe mai svendere, dovrebbe difenderla con i denti perché è facile cadere nei soffici pagliai, senza mai lasciarsi pungere dagli aghi.

The cook trio

Quando scopro musica suonata bene, è un piacere per le mie orecchie, ma lo è soprattutto per il mio umore. Perchè mi dico: <<meno male, ho sopravvalutato il giro di do: non è poi così diffuso>>.

E’ il caso dei The Cook Trio che richiamano alla memoria con prepotenza Django Reinhardt: chi non conosce questo musicista, farebbe bene non solo a cliccare sul link wiki, ma ad ascoltare per almeno sei mesi (punizione minima ) la sua musica.

Ritornando al trio, la musica eccelle per ogni decibel, ma una domanda  mi attanaglia: dov’è la novità? Non voglio togliere neanche una nota di merito al progetto, ma perchè non ascoltare Django direttamente?

L’arrangiamento orchestrale è interessante, soprattutto nel crescendo (si ascolti quando il tema viene ripreso dai fiati a metà brano). Tuttavia nasconde un lancinante (per le mie Trombe, si intende!) ostinato ritmico degli archi che si riverbera indefesso per tutto il brano. Con leggerissime variazioni di accordi in alcuni punti, il ritmo – però – resta pressoché lo stesso. Perché Elfman? Rispondimi, maledizione!

Danny Elfman-Alice’s Theme by shkim85

E’ di esempio il mondo animale: gli uccelli, infatti, modulano il canto in base alla risonanza dell’ambiente. Stappate una birra e godetevi questo contributo di Ted.com.